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Las 25 mejores películas del siglo, hasta ahora

Ha pasado una sexta parte del siglo XXI y ya fueron estrenadas miles de películas. Eso significa que es buen momento para empezar a hacer listas… y pelear sobre ellas. Los principales críticos de cine de The New York Times, con ayuda de algunos cineastas y actores invitados y con el aporte de comentaristas de Facebook, clasificaron las 25 películas que creen que serán los clásicos en el futuro.

1

Petróleo sangriento

Dirigida por Paul Thomas Anderson, 2007

“Petróleo sangriento” relata la historia de un petrolero estadounidense, Daniel Plainview, que convence a los habitantes de un pueblo ranchero en California de que le permitan perforar en sus tierras. Establece también una rivalidad con un predicador, Eli Sunday, y ambos hombres – cada uno con su propia fuente de fe – se entablan en esa batalla eterna entre Dios y el dinero. Pero nunca queda claro quién está de qué lado en realidad.

Esta película de Paul Thomas Anderson una obra maestra del siglo XXI sobre el amor, la muerte, la fe, la avaricia y todo el petróleo y la sangre que fluyen a lo largo de la historia del siglo previo en Estados Unidos. Destilan una historia desgarradora por medio de un buscador de oro negro interpretado, con una intensidad demoniaca por Daniel Day-Lewis, que persigue un sueño salvaje y vacío. Personifica a lo mejor de Estados Unidos; se convierte en lo peor.

Tengo una fascinación perpetua con el de qué trata de esta película: el espíritu dinámico e infernal del capitalismo estadounidense; la dialéctica entre la fe y la avaricia; la invención de California; el melodrama de la masculinidad moderna. Me sorprende continuamente lo que es. Es más extraña que los temas que trata, es más potente que su influencia y más grande que cualquiera de sus géneros. Nunca me canso de pensar en “Petróleo sangriento”. Y aun así, cada vez que la veo, supera todos mis pensamientos. Pocas películas pueden hacer eso.

Nunca me canso de pensar en “Petróleo sangriento”. Y aun así, cada vez que la veo, supera todos mis pensamientos. Pocas películas pueden hacer eso.

 

2

El viaje de Chihiro

Dirigida por Hayao Miyazaki, 2002

Esta película del maestro del animé Hayao Miyazaki trata sobre las aventuras horripilantes y cautivadoras de una niña llamada Chihiro. La destreza fílmica y su magia van más allá de la capacidad para describir, pero le pedimos a Guillermo del Toro, fanático de Miyazaki y él mismo un mago fílmico, que lo hiciera. Esto es lo que dijo:

Guillermo del Toro habla sobre el afecto que le tiene a las películas de Hayao Miyazaki. Del Toro es el director de películas como “El laberinto del fauno” y el filme de próximo estreno “The Shape of Water”.

Descubrí a Miyazaki cuando era un niño en México. Recuerdo ver una secuencia que Miyazaki y (su colega animador Isao) Takahata hicieron en una película llamada “El gato con botas” en la que un ogro corre por un camino repleto de piedras, una persecución típica de Miyazaki en una torre que se desmorona, y recuerdo haber amado esa película.

Muchos años después, ya adulto, vi “Mi vecino Totoro” y me hizo llorar. En verdad no podía dejar de llorar por la belleza y ese logro inmenso de haber capturado la inocencia de ser niño. Inmediatamente busqué todo lo demás que había hecho. Lo describen como las películas Disney de oriente, pero creo que es un nombre muy poco apropiado: Miyazaki es algo único y aparte.

En “El viaje de Chihiro” tienes a una niña en el umbral de convertirse en una jovencita y dejar atrás su niñez, de manera figurada y literal. Chihiro evoluciona en cuanto a su postura, vestimenta, actitud, emoción y espiritualidad; pasa de ser una niña a ser una mujer joven que madura, y en esa posición tiene que vivir la pérdida de todo. Pierde a sus padres, pierde su nombre, le dicen nada, la llaman Sen, la llaman cero. Es una meditación hermosa y profundamente melancólica; la misma melancolía que permea todas las películas de Miyazaki.

Miyazaki tiene una capacidad única para crear monstruos. Son completamente nuevos en su diseño, pero se sienten como cimentados en los cuentos y sabiduría tradicionales. Parecen representar a fuerzas originales y, en muchos casos, a espíritus enraizados en la tierra, el agua, el viento. Son muy elementales.

Siempre busca la gracia y el poder, y este igual lo puede usar para los buenos y los malos, mientras que la gracia es para monstruos tanto destructores como benéficos. Esa es su belleza. Él entiende que una de las cosas esenciales no es buscar algo bueno porque, por definición, lo demás se vuelve malo. No busques algo hermoso porque por definición lo demás se vuelve feo.

Claro que tengo una afinidad con Miyazaki. El mismo sentido de la pérdida y la melancolía y la tragedia es algo que intenté mostrar en “El espinazo del diablo” y “El laberinto del fauno”. Hay un momento en el que la belleza te conmueve tanto que es imposible describirlo. No es porque sea algo inventado, es un acto artístico y sabes que nada con lo que puedas encontrarte en el mundo natural será así de puro. Miyazaki tiene ese poder.

 

3

Golpes del destino

Dirigida por Clint Eastwood, 2004

A.O. Scott

Clint Eastwood a veces estrena sus películas como las filmó: de manera rápida y eficiente, sin mucho escándalo ni bombos y platillos. “Golpes del destino” no estuvo en los festivales ni pasó por el alboroto de principios de la temporada de premiaciones; fue mostrada a los críticos una semana antes de estar en las salas en diciembre de 2004. Y, por un capricho, invité a mi entonces editor a verla. Él y yo siempre nos llevamos bien, pero teníamos gustos distintos. Esta vez fue la excepción. Cuando empezaron los créditos finales, caminamos de regreso a la oficina en un silencio contemplativo; él fue el primero en romperlo: “Esa es una película,” dijo.

Lo fue; lo es. A veces escuchas el refrán de que ya no hacen las cosas como antes, pero Eastwood – es casi el único en el Hollywood del siglo XXI – definitivamente lo hace. Lo que vuelve gloriosa a “Golpes del destino” es que, en vez de intentar ser novedosa, asume las convenciones del género de manera magistral y con facilidad y descubre algunas notas de gracia sentimental y trasfondos que nadie había notado antes.

Morgan Freeman y Hilary Swank ganaron un Oscar por sus actuaciones. Si por alguna razón incomprensible no has visto “Golpes del destino,” no te arruinaré la trama; no diré más. Pero si la has visto, sabes que hay mucho más en esta película que solo la trama.

A veces escuchas el refrán de que ya no hacen las cosas como antes, pero Eastwood definitivamente lo hace.

 

4

Un toque de violencia

Dirigida por Jia Zhangke, 2013

Manohla Dargis

Repleta de violencia y de pesar, esta película impresionante del director chino Jia Zhangke está dividida en cuatro capítulos y fue inspirada por una serie de conflictos violentos en su país natal. Todas las viñetas vistas juntas permiten que Jia, como me explicó en una entrevista, le “pinte la cara” a la China contemporánea.

El ambiente de toda la película es de un malestar palpable que se intensifica, pero un capítulo en particular trata sobre una mujer – interpretada por Zhao Tao, la esposa de Jia – que es golpeada por unos matones por tener un amorío descubierto por la esposa del hombre. Se mueve entre violencia horripilante y perturbadora a un interludio de violencia estilizada con una edición destacable, gestos exagerados e imágenes casi jeroglíficas. Y una mujer ordinaria se vuelve la heroína de su propia historia.

Una mujer ordinaria se vuelve la heroína de su propia historia.

 

5

La noche del señor Lazarescu

Dirigida por Cristi Puiu, 2006

A.O. Scott

Cuando conocemos por primera vez a Lazarescu, un residente de Bucarest de sesenta y algo años (aunque se ve más viejo), se está quejando de dolores estomacales. Poco más de dos horas después – que se viven en tiempo real – ha dejado este mundo, sin que lo lloren y casi sin que alguien se haya dado cuenta.

Entonces ¿por qué debería importarnos? Esa es la pregunta – y no es retórica – que hace la segunda película desgarradora y extrañamente chistosa de Cristi Puiu. Se volvió una sensación en el Festival de Cine de Cannes. “¿Ya viste la película romana de tres horas? Tienes que verla”.

Esa pregunta todavía es válida. Aunque es una experiencia intensamente local, tiene una apertura que resuena más allá de las calles, edificios de departamentos y salas de emergencia en Bucarest. La película es una fábula metafísica desgarradora y de humor negro disfrazada de tragedia de la vida diaria.

Se volvió una sensación en el Festival de Cine de Cannes. “¿Ya viste la película romana de tres horas? Tienes que verla”.

 

6

Yi Yi

Dirigida por Edward Yang, 2000

A.O. Scott

Yang-Yang, el menor de los protagonistas, es un aspirante a fotógrafo que se especializa en tomar imágenes de la parte trasera de la cabeza de las personas; le revela a sus sujetos una parte de ellos que de otro modo nunca verían. No es coincidencia que el primer nombre de este niño de 8 años es similar al del director, Edward Yang. Es el alter ego más sincero y travieso del cineasta, un artista visual que quiere explorar la vida desde todos sus ángulos.

Esta crónica de tres horas de la vida familiar moderna en Taiwán es tan densa y pesada como una gran novela. Asume los puntos de vista de Yang-Yang Jian, de su hermana menor, Ting-Ting, y de su padre, N. J., un diseñador de videojuegos que pasa por una crisis intensa, aunque silenciosa, de la mediana edad. “Yi Yi” es de esas películas que recuerdas no tanto por qué viste sino según qué experiencias viviste al verla; como si fueras uno de los vecinos de los Jians en Taipéi.

La acción se mueve por aquellos rascacielos y calles bulliciosas de Taipéi; aunque estas son interrumpidas en algún momento por un viaje a Tokio. El carácter de las ciudades modernas – aquellos espacios de soledad e intimidad, donde el futuro brillante se cimienta en las tradiciones locales del subsuelo – es uno de los temas principales de Yang. Pocos artistas de cualquier medio han mostrado capacidades similares para examinar la vida urbana contemporánea desde todas las perspectivas. El título de este filme se traduce, a grandes rasgos, a “Y uno y dos”. El conteo sigue hasta el infinito.

“Yi Yi” es de esas películas que recuerdas no tanto por qué viste sino según qué experiencias viviste al verla; como si fueras uno de los vecinos de los Jians en Taipéi.

 

7

Intensa Mente

Dirigida por Pete Docter y Ronnie del Carmen, 2015

Dargis y Scott

Más que cualquier otro estudio o cineasta individual en el siglo XXI, Pixar Animation Studios mantiene y cumple con la idea de que se debe hacer películas para todos. Y parece que todos tienen una película favorita de Pixar distinta de la de alguien más. En Facebook, les pedimos a algunos lectores que eligieran la suya y fue como preguntarles a cuál de sus amigos, hermanos, hijos o juguetes quieren más. Muchas emociones fuertes y decisiones angustiantes.

Discutimos los momentos más exquisitos de varios de esos filmes: la historia del matrimonio de Carl y Ellie que nos muestran sin palabras en “Up”; la primera vez que Wall-E se topa con Eve; la despedida de Andy al final de “Toy Story 3”; la reseña de Anton Ego de aquel platillo preparado por una rata en “Ratatouille”. ¿Y qué tal “Buscando a Nemo”? ¿”Los Increíbles”? ¿”Monsters, Inc”.? ¿Cómo puede alguien escoger solo una?

Hay que ser justos con todas las otras películas en el mundo y poner límites. Al final, la elección no fue tan difícil. La película de Pixar que pertenece en esta lista de los nuevos clásicos es “Intensa Mente,” por mucho la caricatura más ingeniosa, conmovedora, cautivadora y filosóficamente astuta sobre la psicología del desarrollo del siglo XXI. La personificación de conceptos abstractos y la reproducción visual de la conciencia humana desde adentro son logros impresionantes y hechos con una creatividad sin igual. Y el mensaje – que la Tristeza es tan esencial para nuestras vidas como la Alegría – va perfecto con una historia que logra hacerte reír y llorar por igual.

¡¡Todas!! No es posible escoger. Dina Dasom Anya en FacebookLas tres mejores son 1. Monsters Inc. 2. Wall-E y 3. Intensa Mente. La mención honoraria es de Up, porque, ya saben, alguien cerca de ti seguro estará “picando cebolla”. Leia Becker en FacebookLa mayoría solo pueden ver la crisis terrible que afecta a Venezuela. Yo era niño cuando vi Up por primera vez en Venezuela. Alguien pudo ver tanta belleza en nuestro país y crear una película a partir de eso. Andres Ollarvez en FacebookSin duda, Up. Russel es el nombre de mi padre chino y fue la primera vez que vimos un personaje asiático que podría tener cualquier antecedente; es una doble victoria para mí y mi familia. Tracy Lee Murphy en FacebookLa mejor película del siglo XXI es Los increíbles.

 

8

Boyhood: Momentos de una vida

Dirigida por Richard Linklater, 2014

Lo ordinario se vuelve extraordinario en esta historia de Richard Linklater sobre un niño que se convierte en una historia sobre el realismo cinemático y el poder que este tiene. Grabada a lo largo de doce años, se centra en Mason, un soñador de 6 años contento de ser promedio cuando empieza el filme y un joven de 18 a punto de empezar la universidad hacia el final. Un año pasa al que sigue y Mason crece frente a nuestros ojos, un progreso que a veces no es notorio y en otros momentos te deja pasmado; es como cuando te ves en un espejo y no puedes evitar preguntarte: ¿cuándo pasó tanto tiempo?

Richard Linklater reflexiona sobre su película. También dirigió la trilogía de Antes del amanecer.

Manohla Dargis habló con Linklater sobre el proceso de hacer esta película; a continuación te presentamos un extracto de lo que dijo.

Fue algo muy personal para muchas personas y no anticipaba que lo iba a ser; solo quería contar una historia íntima. Pero cuando llegaron las respuestas fue como “¡Claro!”; fue algo poderoso. Buscamos conexiones. Esta película hace que te importen las personas y que sientas cómo es el paso del tiempo, que la vida cambia, que las relaciones lo hagan también. ¿Quién no ha crecido o ha tenido hermanos o ha dejado atrás la casa de sus padres? Pensé que habría reacciones de personas mayores, pero me di cuenta de que esto cuenta la vida y las vivencias de una generación.

Las personas solo me cuentan cómo vinculan la película a su vida. “Ay, mi hija se acaba de ir a la universidad o mi hijo acaba de irse” o “me acabo de ir a la universidad. Vi tu película y tuve que llamar a mi mamá para decirle que entiendo qué está viviendo”. Todos pasamos por el mundo atrapados en nuestra propia historia, nuestro punto de vista. Pero una película puede hacernos ver los puntos de vista de los demás; ese es el poder de la narración.

 

9

Las horas del verano

Dirigida por Olivier Assayas, 2009

Manohla Dargis

Olivier Assayas es el tipo de director que hace soñar a los críticos, pero también es un narrador inteligente y astuto. “Las horas del verano” empieza en una fiesta de cumpleaños de una mujer de 70 (Édith Scob), quien está rodeada por su familia, incluidos sus tres hijos adultos. Inmediatamente quedas absorto por sus relaciones complejas y espinosas en parte porque las madres son un buen recurso para desencadenar sentimientos – ya sea la de Bambi o esta, no puedes evitar (felizmente o no) pensar en la tuya –. El filme también te atrae porque todo en él es tan hermoso y francés de una manera tan despreocupada: la gente, las casas, las decoraciones, los jardines. “Las horas del verano” es sobre la muerte, la vida, la impermanencia (y el cine), pero también es sobre ser francés.

En “Las horas del verano” hay un problema práctico que enfrentan muchas familias: ¿qué hacer con la propiedad de un ser querido cuando fallece? En este caso, las pinturas y chunches que tienen un valor más que sentimental, se convierten en un drama sorprendentemente fascinante sobre la mortalidad, la familia y los efectos de la globalización en la vida europea. Assayas le otorga un sentimiento de historia a todas sus películas. Sin embargo, esta es su más profética. Además: la mamá tenía un muy buen gusto.

Sí que lo tiene, pero ha convertido a su casa, y a su vida, en un museo. Es un museo hermoso, claro, lleno de mobiliario art nouveau y obras de arte importantes que ha resguardado de manera atenta y quizá narcisista; te deja la impresión de que lo ha hecho algo más cuidadosamente que las relaciones son sus hijos. Más que otros directores, Assayas es muy sensible a las urgencias de la próxima generación, por lo que siento que esta es también una película sobre el cine.

Él era un crítico de cine; aunque no lo pusimos en esta lista por eso (o al menos no solo por eso).

El filme te atrae porque todo en él es tan hermoso y francés de una manera tan despreocupada.

 

10

Zona de miedo

Dirigida por Kathryn Bigelow, 2009

Manohla Dargis

Kathryn Bigelow hizo historia al convertirse en la primera mujer en ganar el Oscar al mejor director por esta película. Por fin, una directora brillante era reconocida por su arte en una industria dominada por los hombres que sigue resistiéndose al cambio de manera casi patológica. Fue un logro cinematográfico y político en ese entonces y aún lo es. Aunque parezca paradójico que Bigelow se llevó las palmas por una película de guerra en la que las mujeres están físicamente ausentes, la masculinidad – con sus descontentos, rituales, enigmas y su capacidad impresionante y aniquiladora para ejercer violencia – ha sido durante mucho tiempo el objeto de estudio de Bigelow.

El que esta violencia también hiere al que la comete es una verdad angustiante en “Zona de miedo,” que se desenvuelve en Bagdad y sus afueras durante la guerra de Irak el año después de la invasión. La historia sigue a tres miembros de la unidad de eliminación de explosivos que desarma bombas puestas al costado de las carreteras. El punto focal de la historia es el líder del equipo, el volátil sargento de personal William James (Jeremy Renner), cuya pericia se ha vuelto una manía abominable. No solo toma riesgos evitables – con el sudor en la frente, un James exasperado se quita el traje protector mientras intenta desarmar un explosivo – corre hacia ellos.

La guerra le ha dado un trabajo a James y es muy muy bueno para hacerlo. La guerra le da estatus, un nivel, una camaradería (a veces a regañadientes) y, aparentemente, un propósito. La guerra también ha destruido a James, aunque no literalmente y definitivamente no de la manera que nos indican la mayoría de las películas que muestran la catástrofe de la guerra, con gestos heroicos y narrativas de sacrificios nobles. La muerte de James no es espectacular ni inspiradora; no llega con una bala. Es una muerte viviente de las más aletargadas, que lo carcome día a día por el horror diario que es tan invariable y familiar como el tic-tic-tic de las bombas.

Bigelow, quien dirige a partir de un guion de Mark Boal, me dijo por correo electrónico que tenían los retos de hacerla con tanta honestidad como pudieran. “Dolorosamente, la guerra de Irak no fue suficientemente reportada en su momento. Vi a la película como una forma de periodismo, al sentir que se necesitaba más información sobre este combate tan controvertido”.

 

11

Balada de un hombre común

Dirigida por Joel y Ethan Coen, 2013

Dargis y Scott

Clasificar la obra de Joel y Ethan Coen es un emprendimiento de varios en el internet, por lo que no sorprendió que nuestros pedidos de ayuda a la colmena cibernética para escoger la mejor de sus películas del siglo XXI fue respondida de manera efusiva y rápida.

Los fanáticos de los Coen son muy conocedores, dogmáticos… y contrarios. Una cantidad sorprendente defendieron “El amor cuesta caro” (“Intolerable cruelty”) y “Quémese después de leerse” (“Burn After Reading”); “¿Dónde estás, hermano?” (“O Brother, Where Art Thou”) y “Temple de acero” (“True Grit”) tuvieron sus defensores también. Aunque casi de inmediato quedó claro que la carrera era entre tres: “Sin lugar para los débiles” (“No Country for Old Men”), “Un hombre serio” (“A Serious Man”) y “Balada de un hombre común” (“Inside Llewyn Davis”).

La Academia favoreció a “Sin lugar para los débiles,” claro – la única de los Coen que ha ganado por mejor película – pero por mucho que admiramos la destreza con la que adaptaron la novela de Cormac McCarthy, nos conmovió e intrigó más la metafísica de “Un hombre serio” y la melancolía de “Balada de un hombre común”. Estuvimos indecisos entre estas dos y les preguntamos a los mismos Coen que escogieran su favorita (no rindió frutos). Buscamos mensajes misteriosos en nuestros dientes y escondidos en las letras de viejas canciones de folk.

Al final elegimos el drama de “Balada de un hombre común” … por el gato. Por la circularidad astuta de la trama. Por la banda sonora. Por los ojos tristes de Oscar Isaac y su manera competente de tocar la guitarra. Si es un mal juicio y nos equivocamos, bueno. Eso es justo lo que hacen las personas en las películas de los Coen.

Me encantan prácticamente todas sus películas, pero ¿Dónde estás, hermano? es la única (del siglo XXI) que hace que deje de cambiar el canal si me la encuentro en la televisión. Brandon Olaisen en Facebook¿Dónde estás, hermano? sin duda. Matthew Hughes en FacebookYo le apuesto a Temple de acero, que podría ver felizmente por cada semana del resto de mi vida y todavía encontrar nuevas cosas por las cuales apreciarla. Mallory R. Cohn en FacebookQuémese después de leer. Es una comedia de lo absurdo, que se descarrila y luego construye nuevos carriles solo para que se pueda descarrilar de esos también. Marty Schwartz en FacebookUn hombre serio es su obra maestra. La mejor comedia de los años 2000 y también la mejor película de horror. Kyle Dilla en FacebookRealmente me sorprende que haya respuestas que no sean Sin lugar para los débiles. Michael Gately en FacebookExiste Balada de un hombre común, ¿por qué siquiera estamos debatiendo? John Kash en Facebook

 

12

Timbuktú

Dirigida por Abderrahmane Sissako, 2015

Manohla Dargis

La silenciosamente devastadora “Timbuktú” te agarra en cada escena. Se desenvuelve en el presente en la ciudad maliense del mismo nombre poco después de la llegada de un grupo islamista que impone la sharía en la población que se resiste. Al principio la historia no parece tener un protagonista o un foco. En cambio, el director Abderrahmane Sissako nos muestra diversos momentos de indignación, lo que le permite crear un mosaico de las personas bajo asedio.

La música está prohibida; igual que los cigarros y el fútbol. Un joven que desafía el veto al deporte es sentenciado a recibir veinte latigazos. Pero no es tan fácil encarcelar la imaginación humana y en una escena lírica, los niños juegan fútbol con un balón imaginario mientras los observan dos yihadistas subidos en una motocicleta, derrotados aunque sea solo por unos momentos.

No es tan fácil encarcelar la imaginación humana y en una escena lírica, los niños juegan fútbol con un balón imaginario mientras los observan dos yihadistas subidos en una motocicleta, derrotados aunque sea solo por unos momentos.

 

13

En Jackson Heights

Dirigida por Frederick Wiseman, 2015

Wiseman no solo es uno de los mejores directores de documentales en la actualidad, es uno de los mejores directores, punto. Se enfoca en las instituciones, específicamente en los hombres, mujeres y niños que no dejan que las escuelas, burocracias y organizaciones les quiten su humanidad. Entre sus admiradores cuenta a la directora Ava DuVernay, quien habló con Manohla Dargis y esto es lo que dijo:

Vi “High School” en la universidad, en UCLA, y quedé absorta. Por la forma, la intimidad. Gente contra las instituciones. Es fascinante cómo encuentra esta intimidad entre lo épico y el que hay vida en estos sistemas que parecen no tenerla. Cómo mueve la cámara y cómo logra que lo que le interesa te interese a ti también aunque no sabías que lo haría si no hasta que lo viste.

 

14

L’Enfant

Dirigida por Jean-Pierre y Luc Dardenne, 2006

A.O. Scott

Algunos cineastas van por todo el mundo y se mueven entre distintos géneros en busca de su visión. Los hermanos belgas Dardenne prefieren quedarse en casa, alrededor de la ciudad industrial de Seraing. Y se han ganado fanáticos e imitadores con las historias que encuentran ahí, esas parábolas realistas y duras.

“L’Enfant” es una historia de crimen llena de suspenso que también es una fábula espiritual; trata sobre Bruno, un joven criminal cuya novia se embaraza. Bruno no está listo para ser padre, de hecho ponerlo así es un eufemismo. Su solución a tener un bebé es horripilante, especialmente porque tiene sentido para él. Esta película está hecha para escribir tesis sobre el cristianismo, el colapso del socialismo en Europa, el valor de usar una cámara con fotografía que tiembla y tantas cosas más.

Algo que es emocionante de sus películas es que las historias parecen simples, pero lo que está en juego es algo más profundo; en “L’Enfant” se trata de vida o muerte. Los Dardennes hacen películas emocionantes que, como sucede en este caso, son tan fascinantes como un thriller, pero también convierten a la audiencia en filósofos morales y políticos.

Los Dardennes hacen películas emocionantes que, como sucede en este caso, son tan fascinantes como un thriller, pero también convierten a la audiencia en filósofos.

 

15

White Material

Dirigida por Claire Denis, 2010

En algún país africano no identificado está Maria (una transcendental Isabelle Huppert) mientras batalla para quedarse con la cafetalera de su familia en medio de una guerra civil.

El actor Robert Pattinson, que aparecerá en la próxima película de la directora, “High Life,” habló sobre qué lo atrae del trabajo de Denis.

Es una historia fragmentada sobre el amor, la fortaleza, el costo del patrimonio excolonial y el peso del poscolonialismo.

Al ver las actuaciones en sus películas se siente la libertad que le da a sus actores. Crea un mundo entero para que estos se desenvuelvan. Y creo que tener parámetros tan abiertos para captar ciertas cosas significa que sus películas se crean a partir de una cantidad cada vez mayor de detalles en vez de un solo impulso narrativo. Sus películas se sienten como olas que empiezan a crecer para luego romper contra la arena.

 

Información para ver “White Material”.

16

Múnich

Dirigida por Steven Spielberg, 2005

Dargis y Scott

Quizá suene extraño decir esto, pero es posible argumentar que Steven Spielberg es uno de los cineastas estadounidenses más infravalorados del siglo XXI. En los noventa hizo la transición de artista popular a más prestigioso con “La lista de Schindler” y “Buscando al soldado Ryan,” y su carrera posterior ha sido igual de productiva y distinguida, aunque no ha llamado tanto la atención.

¿Cuál de esas películas deberíamos destacar? Está “A. I. Inteligencia Artificial,” que para uno de nosotros es una obra maestra y para el otro solo iba a poder quedar en la lista “sobre su cadáver”. “Caballo de guerra” merece más atención. Puente de espías es prácticamente perfecta y hemos dicho que “Lincoln” es “espléndida”. Entonces de nuevo acudimos a Facebook.

Al final lo redujimos a la trilogía posterior al 11 de septiembre, que incluye a “Minority Report,” “Guerra de los mundos” y “Múnich”. Elegimos la última, un drama sobre la violencia y el deseo de venganza. La trama se desenvuelve en los años setenta cuando un grupo de agentes encubiertos israelíes encuentran a los responsables de un ataque en las Olimpiadas de Múnich de 1972. Es un thriller con preguntas éticas muy ambiguas: ¿qué tan fácil es cruzar la línea entre la justicia y la venganza? ¿Cómo puede sobrevivir la decencia humana cuando se lucha contra el fanatismo? Son preguntas que siguen vigentes, como la película que las plantea.

Yo voto por la poco valorada Puente de espías. Es una película hermosa sobre la empatía y la integridad ante la injusticia sistémica. Andrew Frank en Facebook A.I. Inteligencia Artificial. Es poética, genial y una obra maestra. Martín Coitinho en Facebook¿Para qué debatir si todos sabemos que es Atrápame si puedes?. Sheila Wagner en FacebookMinority Report – tiene resonancia emocional, veía más allá de su temporalidad y tiene un punto de vista muy previsor sobre el impacto de la tecnología en nuestras vidas. Charles Qian en FacebookMúnich, aunque no la he visto desde el estreno. Me dejó sacudido. Chris Williams en Facebook

 

17

Three Times

Dirigida por Hou Hsiao-hsien, 2006

El director taiwanés Hou Hsiao-hsien hace películas visualmente apabullantes que mantienen sutilezas emocionales de todo tipo de géneros y que exploran la historia china y la vida contemporánea con curiosidad, ingenio y rigor. “Three Times” está dividida en tres secciones: “A Time for Love”, ambientada en 1966; “A Time for Freedom,” en 1911, y “A Time for Youth,” en el presente. Cada capítulo trata sobre un hombre y una mujer – siempre son los mismos actores, Chang Chen y Shu Qi – cuyas andanzas amorosas echan luz y trascienden las circunstancias históricas.

Actualmente estoy en Cannes y escucho mucho la frase “más allá del cine”. Hou Hsiao-hsien está más allá del cine. No por su forma o su rigor, sino por la calidad sinestética de su trabajo. Logra evocar sentimientos tanto como los estilistas a quienes consideramos grandes autores, pero lo hace de una manera más delicada.

Sobre cómo “Three Times” lo influenció para “Luz de luna”:

La estructura de “Three Times” es el ímpetu detrás de la de “Luz de luna”. El material que inspiró la película no estaba partido en tres. Además, la idea de ese trato delicado de las emociones turbias, la interioridad que se expresa por las imágenes externas (y el SONIDO) en vez de un monólogo; esas son cosas que tuve presentes en la mente y en el corazón mientras “Luz de luna” evolucionaba a ser la película que es.

 

18

Los espigadores y la espigadora

Dirigida por Agnès Varda, 2000

A.O. Scott

Inspirada en una pintura de 1857 de Jean-François Millet, esta película es un ensayo fílmico sobre la importancia de reconocer el valor de algo que quizá pensemos descartar u obviar. Los espigadores de la pintura son campesinas francesas que juntan lo que queda después de la cosecha. Es una combinación de necesidad, robo y dignidad que inspira una búsqueda por sus contrapartes modernas. Los artistas, ermitaños, partidarios del movimiento anticonsumismo freeganism y acaparadores de objetos.

La directora es la espigadora del título, se incluye a sí misma como parte de la tribu informal. Colecciona imágenes y anécdotas que de otro modo sería fácil ignorar y el resultado es un documental difícil de describir pero imposible de olvidar.

La directora es la espigadora del título, se incluye a sí misma como parte de la tribu informal.

 

19

Mad Max: Furia en el camino

Dirigida por George Miller, 2015

Dargis y Scott

Queríamos decidir la mejor película de acción y de nuevo acudimos a Facebook, aunque eso desató un debate filosófico sobre qué, exactamente, es una película de acción en esta época de efectos especiales digitales. ¿Las películas de superhéroes, en automático, son de acción? ¿Qué tal las de Jason Bourne? Al final determinamos que tenía que haber secuencias de persecución y muchas explosiones… y no hubo competencia.

La mejor película de acción de este siglo es “Mad Max: Furia en el camino”. Si necesitan saber por qué: George Miller es un coreógrafo del caos de la vieja escuela, favorece los efectos prácticos sobre los digitales. Y el filme transporta ese ingenio antiautoritario y punk de las primeras películas de la serie a esta nueva era. Finalmente, porque la película que no necesitaba otro héroe encontró al final a la heroína que todos necesitábamos, Imperator Furiosa, aquella vengadora manca de pelo al ras interpretada por Charlize Theron.

John Wick. Caso cerrado. Carolyn Lake en FacebookKill Bill Vol. 1 es la combinación perfecta de rodaje gonzo y matanzas catárticas. Toni Perling en FacebookBourne: El ultimátum se lleva el premio. Taylor Costello en FacebookMad Max: Furia en el camino no solo es la mejor película de acción en lo que va del siglo, es una de las películas más perfectas que se han hecho en la historia. Devin Rubink en Facebook

 

20

Luz de luna

Dirigida por Barry Jenkins, 2016

A.O. Scott

De las muchas películas que he destacado durante los últimos 17 años, esta es especial. Desde la primera vez que la vi sentí un afecto inusual e intenso por ella, un instinto casi protector para asegurarme de que floreciera. Y creo que esos sentimientos fueron suscitados por el personaje principal, Chiron, cuando es niño, cuando es adolescente y cuando es hombre. A veces, la gente habla de identificarte con un personaje, pero esto es distinto: te sientes cercano a él, responsable de él. No estoy seguro cómo lo logró Barry Jenkins.

En este caso, Jenkins nos integra a la vida de Chiron rápidamente, porque nos lo presenta cuando es un niño. Es diminuto y con esos ojos grandes y evocadores que denotan tanta vulnerabilidad que quieres abrazarlo de inmediato.

Parte de la genialidad del filme es cómo se desenvuelve la estructura narrativa. La empatía sigue en el segundo capítulo, cuando es un adolescente víctima de acoso y cuya relación sexual con un amigo se vuelve su secreto y el nuestro. En el tercer capítulo es un hombre fuerte y musculoso que usa su masculinidad como una armadura.

“Luz de luna” es una película de arte, pero también es un acto de resistencia contra las imágenes ofensivas y degradantes de la masculinidad entre la comunidad negra.

A veces, la gente habla de identificarte con un personaje, pero esto es distinto: te sientes cercano a él, responsable de él.

 

21

Wendy and Lucy

Dirigida por Kelly Reichardt, 2008

Una joven llamada Wendy pasa por un pueblo del Pacífico noroeste en Estados Unidos de camino a Alaska, donde espera encontrar trabajo. Tiene algo de dinero, un auto poco confiable y está acompañada por su perro, Lucy. Es una historia de desesperación y esperanza en los peores momentos, estelarizada por Michelle Williams, con quien habló A. O. Scott sobre la experiencia de grabar la película.

Kelly deja muy claro qué quiere. Es sencillo colaborar porque es muy precisa, entonces las cosas pasan rápido. Entiendes rápidamente a la persona y al lugar porque es tan específica, pero se mantiene abierta. Le proponía algunas ideas y me decía: “Regresa en una semana cuando hayas afinado tu idea estrafalaria, grande y estúpida a algo que sí me guste, Michelle”.

Los personajes de Kelly no están obligados a explicarse, es cosa de entrenarte para escucharlos y verlos para conocerlos. Ver sus películas no es como acostarse con alguien que conoces después de la primera cita; es como para decirle que quieres tener un poco más de tiempo para conocerlos y absorberlos.

Le interesan muchos géneros, pero la parte fundamental siempre es: ¿cómo se relacionan estas personas? ¿Cómo sobreviven?

 

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I’m Not There

Dirigida por Todd Haynes, 2007

A.O. Scott

Esta película sobre Bob Dylan no es biográfica. Es un ensayo extendido sobre lo que significa Dylan y seis actores – entre ellos Richard Gere, Cate Blanchett y Heath Ledger – interpretan facetas de el cantautor y ahora ganador del Premio Nobel de Literatura. Es un poema, es un filme, es una representación fiel de varias de las canciones y del misterio que rodea a quien las escribe y canta.

Es un poema, es un filme, es una representación fiel de varias de las canciones y del misterio que rodea a quien las escribe y canta.

 

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Luz silenciosa

Dirigida por Carlos Reygadas, 2007

Manohla Dargis

En “Luz silenciosa,” el director mexicano hace más que contar una historia religiosa; te invita a entrar a un mundo lleno de gracia y maravilla que es tan hermoso que la película misma se convierte en una suerte de rezo. La narrativa es mínima, la fotografía es abundante.

Ambientada en una comunidad menonita en México, retrata las agonías que vive una pareja de campesinos, Johan y Esther, quienes están siendo separados por el amor del primero a otra mujer. Parece que sucede poco, pero es una película sobre todo: qué significa amar, qué significa tener fe y qué implica vivir en el mundo.

La secuencia inicial inaugura un día nuevo, con un amanecer que sugiere la apertura de las cortinas antes de una obra; la oscuridad se llena de zumbidos y graznidos y da paso a la luz. La presencia constante de la naturaleza a veces hace que la película parezca documental, junto con la sinceridad no forzada de los actores no profesionales que en su mayoría hablan plautdietsch, un dialecto alemán.

Aunque durante la película se desmorona poco a poco el matrimonio de Johan y Esther, Reygadas deja entrever la intimidad que tienen el uno con el otro y con sus hijos, un sentimiento de comunidad y de pertenecer que se termina extendiendo a la audiencia.

Y ver es clave: aquí no hay grandes discursos ni música que indique que alguien está por llorar. Los personajes actúan y hablan como en la vida real, es un realismo palpable que profundizan las escenas de la vida cotidiana de la familia. En una escena, se bañan cuando siguen semivestidos en una piscina al aire libre rodeada por el follaje verde; es un paraíso que queda interrumpido por las lágrimas de Esther. Johan sugiere que ellos también naden y Reygadas entonces pone la cámara frente a una imagen que primero es borrosa pero que, cuando se enfoca, muestra una orquídea.

Es una flor que Reygadas quiere que veamos para entender su belleza frágil y, sobre todo, su temporalidad. Es un recordatorio de lo transitorio de la vida que también queda claro en dos momentos al principio y al final: alguien detiene el paso de las manecillas de un reloj y hacia el final alguien le vuelve a dar cuerda.

Parece que sucede poco, pero es una película sobre todo: qué significa amar, qué significa tener fe y qué implica vivir en el mundo.

 

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Eterno resplandor de una mente sin recuerdos

Dirigida por Michel Gondry, 2004

Dargis y Scott

Es curioso, pero cuando acudimos a Facebook nos quedamos con la impresión de que los mejores romances del siglo XXI (hasta ahora) son amargos en la misma medida que son dulces y en ellos hay tanto melancolía como enamoramiento. Los lectores sugirieron más melodramas que comedias románticas típicas, con películas en las que hay pérdidas y añoranza y no necesariamente un “felices para siempre”.

Incluso la más romántica de las que mencionaron los lectores, “La La Land,” trata sobre una relación que no puede sobrevivir a las ambiciones personales y la suerte. “500 días con ella” también es sobre un romance que termina, al igual que “Ella” y la película francesa “La vida de Adèle”.

La decepción es más satisfactoria que un cuento feliz, nos gustan las películas sobre un gran amor que no se consolida o aquellos que sí lo hacen, pero terminan en cenizas.

En ese sentido, la ganadora de nuestra encuesta informal fue clara. Combina risas y tristeza, nostalgia y esperanza. Es una película sobre cómo nunca puedes realmente olvidar a tu primer amor a menos que tengas el contacto de un científico loco con un aparato que puede ayudarte. También habla de cómo el deseo y la pérdida son inseparables y cómo el anhelo por empezar de cero es en realidad algo que ocurre de manera eterna.

“Eterno resplandor de una mente sin recuerdos” es una canción de pop que quieres escuchar una y otra vez, con un elenco en su cumbre. Los amantes son Jim Carrey y una Kate Winslet con cabello anaranjado; salen Kirsten Dunst y Elijah Wood, Tom Wilkinson y Mark Ruffalo. El guion de Charlie Kaufman es una mezcla perfecta de sensibilidad y cinismo, y se combina con el ingenio extravagante de Michel Gondry.

Lo único mejor que verla de nuevo sería borrarla de tu memoria y redescubrirla como si fuera la primera vez.

Ella es la más romántica que he visto, punto. Deirdre Hayes en FacebookPor darnos todo un abanico del amor, el romance y la decepción, Antes de amanecer. “Querido, ¡no vas a llegar a tu vuelo!” “Ya sé”. Josh Wartel en FacebookDiario de una pasión tiene un idealismo romántico medio tonto pero me hace sentir cada vez y quién no quiere recibir un beso apasionado en la lluvia. Mwesigwa Herbert en FacebookDe inmediato pensé en Eterno resplandor de una mente sin recuerdos… Es desordenada, es cruda y es perfecta. Katie Marie en Facebook

 

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Virgen a los 40

Dirigida por Judd Apatow, 2005

Manohla Dargis

Cuando se estrenó, no tenía idea de que era una película que definiría esa masculinidad atrofiada o que el director se convertiría en un nuevo referente de la comedia. Esperaba algunas bromas, pero no escenas de depilación de pechos y de tocar la tuba en solitario; definitivamente no algo con tanto sentimiento. La imagen del personaje interpretado por Steve Carrell, Andy, pintando sus soldados de colección encapsula los temas y la visión tan conmovedora de una pequeña tragedia.

Las comedias de estos “niños-hombres” a veces muestran cierto temor hacia las mujeres, en particular a su sexualidad, que en ocasiones es tácita y en otras ocasiones descarada. Lo maravilloso de “Virgen a los 40” es que muestra cómo el comportamiento cachondo y vulgar que se ve en el trabajo de Andy (con un equipo de comedia de ensueño: Romany Malco, Seth Rogen y Paul Rudd) no es un dominio de ese temor, sino una expresión del miedo. Si Andy le teme a las mujeres, quizá es porque lo aterra la manera en la que los otros hombres hablan sobre ellas.

Y tardaría una década, pero las comediantes y escritoras después pondrían su sello propio a estas señas de inmadurez. Apatow no es necesariamente el padre de la comedia moderna feminista, pero sus primeras películas sí abrieron la puerta para filmes como “Damas en guerra” y “Esta chica es un desastre” de Amy Schumer, que celebran el derecho de las mujeres a portarse mal.

Fuente: NYTimes

 

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